Meine Skulpturen zwischen „Konkreter Kunst“ und „Organischer Form“ befördern bewusst den Dualismus aus Einfachheit und Komplexität. Sie zeigen die künstlerische Idee als endlose Reise. Mein Schwerpunkt liegt in (Gegen)schwüngen, durchgehenden Spannungen und im Verwirrspiel der Möbiusbänder. Ob in ihrer Reinform oder sozialkritisch, die Skulpturen basieren auf mathematischen, papiernen Modellentwürfen. Das Vollmaterial, abgetragen mit Motorsäge und Winkelschleifer, wird in einer Rohform herausgearbeitet und anschließend u. a. händisch mit Beitel, Schleifwerkzeug, Lasierung, Flammung fertiggestellt. Mich interessiert das Verhältnis von Raum und Leere. Meist belasse ich das Holz in seinem natürlichen Charakter oder unterstreiche diesen formal, indem ich Maserungen freilege, welche mit Wachs und Leinöl eingelassen werden. Die Oberfläche trägt Werkzeugspuren oder ist glattpoliert. Indem ich es beize oder flamme, schenke ich dem Holz einen neuen Charakter.

Meine Formideen entstehen zusammen mit einem geeigneten, eigenwilligen, ungewöhnlichen Stück Stamm, am besten Eiche oder Esche. Ich arbeite draußen unter freiem Himmel oder im Wald. Manchmal direkt dort, wo der Stamm liegt. Der Kulturjournalist Rainer Beßling beschrieb meinen ästhetischen Ansatz: „Ulrike Gölner gelingt es, in ihren abstrakten Skulpturen mit dem uralten Werkstoff Holz eine große vitale Wirkung zu erzielen. Die bis zu drei Meter hohen Arbeiten entstehen in einem Vexierspiel zwischen Wuchs des Stammes und Wesen der Formvorstellung; zwischen Dynamik und Statik. Das Anregende an ihrer plastischen Sprache ist, dass sie Figur oder Pflanze nicht ausformuliert, sondern lediglich suggestiv anstößt und in uns weiter reifen lässt.“

Dinge verändern sich. Kurzlebige tauchen auf und verschwinden. Geologische Formationen verändern sich dagegen langsam und nur oberflächlich. Ebenso manche Geschichten oder die Geschichte als solches, wo sich alles irgendwie wiederholt und doch im Detail neu erscheint. Im Mittelpunkt meiner Arbeit steht die Betonung der Form. Ich beginne mit von der Natur inspirierten Zeichnungen. Diese werden durch den Einsatz geometrischer und stilisierender Linien weiterentwickelt. Die Gestaltung erfolgt teils spielerisch, teils systematisch strukturiert. Dabei werden natürliche, ästhetische und mathematische Gesetzmäßigkeiten aufeinander abgestimmt. Die thematische Bedeutung tritt meist erst später in den Vordergrund, ob intuitive Harmonie mit örtlichen oder gesellschaftlichen Gegebenheiten oder politische Kritik.

In der Bildhauerei entdecke ich viele Parallelen zum Leben. Ich muss mich mit den natürlichen Gegebenheiten und Eigenschaften des Holzes und auch dem Unvorhersehbaren auseinandersetzen. Um gute Entscheidungen des Materialwegnehmens zu treffen, betrachte ich das Werkstück immer wieder von verschiedenen Perspektiven und auch mit Abstand. Dann arbeite ich weiter, um voranzukommen. Oft ist die Entscheidung zielführend, manchmal aber auch nicht, trotzdem versuche ich, das Beste daraus machen, denn es sind wertvolle Erfahrungen. Das Herstellen von Skulpturen kann nur im Hier und Jetzt erfolgen. Oft vergesse ich dabei Raum und Zeit, ein wunderbarer Zustand, den man nie herbeizwingen kann.

Ich lebe seit meiner Geburt auf der italienischen Seite der Alpen in einem kleinen Dorf, welches man schwerlich verlässt. Im Keller fand ich einige alte Meißel und Werkzeuge. An irgendeinem Tag gab es keine andere Option, als sie auszuprobieren. Als ich acht Jahre alt war, traf ich meinen Meister Franco Alessandria und lernte von ihm. Mit elf Jahren ermutigte mich mein Großvater, Kurse bei Guido Ronchail zu belegen. Das Erschaffen von Skulpturen ermöglicht mir, meinen Gefühlen ein Ventil zu geben. Es erfüllt mich mit tiefster Zufriedenheit. Ich wünsche mir, die Welt mit meinen Werken zu bereichern.

Der Bezug zur Genesis, dem einen Ursprung, der Entstehung von allem, und der damit eingeleitete Prozess der vielfachen Entfaltung, bestimmt meine schöpferische Arbeit. Das Verstehen, Würdigen und Sichtbarmachen dieser universellen Energie ist Motivation für jede Skulptur. Mit der Kettensäge ziehe ich Striche in den Holzblock, wie ein Zeichner skizziert. Bei jedem Stück suche ich nach persönlicher Perfektion. Immer mit dem Anspruch, noch konsequenter zu werden, um die verborgene Schönheit und Würde des Lebens geradlinig und unverschnörkelt freizulegen. Dabei geht es mehr um innere Haltung, weniger um das Äußere oder um glatte Schönheit. In diesem Ansatz bildet sich meine Handschrift und diese übertrage ich in Bronze, Eisen, Aluminium oder in Holz.

Meine Suche nach einer eigenständigen Bildsprache im Umgang mit dem Material Holz geht einher mit verschiedensten Absichten in Form, Inhalt und Aussage. Ich bin auf der Suche nach komprimierten, reifen Formen, entwickle Skulpturen ungegenständlich wie figürlich, angewandte wie freie Objekte und Installationen. Neben Oberflächenästhetik und Vieldeutigkeit durch Reduzierung zeichnen sich meine eher minimalistischen Skulpturen gelegentlich durch die Möglichkeit einer spielerischen Inbesitznahme aus: (P)urformen, Naturformen, Archetypen und Zeichen. Meine oft stark farbigen Figuren(gruppen) hingegen, erzählen gerne Komisches und Skurriles. Sie sind vor allem dem Menschen und dessen Beziehungsgeflechten im gesellschaftlichen Kontext verpflichtet. Ich bediene mich nicht unbedingt ausschließlicher Ernsthaftigkeit.

Im Atelier entstehen Gestalten: gekrümmt, gestreckt, bewegt, ruhig, stolz und demütig. Diese Baum-Wesen nun bringe ich zurück an den Ort, an dem sie ihr Leben lang gestanden haben, um sie zu ehren und damit sie ihren Platz wieder einnehmen können und die Menschen erinnern und mahnen an die lebenswichtige Verbindung, die zwischen ihnen und uns besteht.